Entrevista con Flora Li Thiemann

¿Cuándo te diste cuenta por primera vez de los problemas de sostenibilidad y ética dentro de la industria cinematográfica?

Comenzó muy temprano para mí lidiar con los problemas ambientales y sociales en nuestro mundo, en realidad, desde que era niña. Como persona privada en general. Dado que la sostenibilidad siempre ha sido un tema importante para mí y he estado trabajando en la industria cinematográfica desde que tenía 7 años, por supuesto, mi perspectiva al respecto siempre ha sido sensible.

La industria cinematográfica, en particular, tiene un impacto inmenso en nuestra huella ambiental ya que implica muchos procesos en todos los diferentes departamentos, desde la preproducción hasta el trabajo en el set, que consumen muchos recursos y contribuyen a las emisiones de carbono en general. En los últimos años, se ha convertido en un tema más grande encontrar alternativas más ecológicas para la producción, pero aún queda mucho por hacer.

Creo que uno de los principales problemas, no solo en la industria cinematográfica sino en general, es que en nuestra sociedad muchos problemas ambientales y sociales están normalizados e ignorados. Alguien que compra salami en el supermercado probablemente no está pensando conscientemente en que es un animal y en apoyar su sufrimiento, cómo se produjo el salami y el impacto que tiene en nuestro clima. En primer lugar, es necesario realizar más trabajo educativo y de comunicación en general sobre estos temas ambientales y éticos para crear conciencia y responsabilidad en la sociedad en lugar de ignorancia y evasión. El cambio comienza en la mente y en nuestro sentido de responsabilidad y la voluntad de hacer lo correcto. Deberíamos apoyar eso en la sociedad desde el principio.

CREDITS

Art Direction & Styling: BELVIS SOLER

Photography: JENS WITTWER

Starring: FLORA LI THIEMANN @ RIETZ MANAGEMENT

Make Up Artist: KARIM SATTAR

Hair Stylist: ISABEL MARIA SIMONETH

Styling Assistant: SASKIA FRY

Timur Bartels es un actor conocido por sus papeles en la serie “Club der roten Bänder” y películas como “Rumspringa – Ein Amish in Berlin” y “Manta Manta – Zwoter Teil”. Trabaja en producciones para TV, VoD y cine. Además, tiene un proyecto musical en solitario donde escribe canciones pop en alemán. Recientemente, fundó su propia productora, “easy productions”. Su primer proyecto fue un videoclip para SDP, Sido y Esther Graf, con la canción “Mama hat gesagt”. El video fue un gran éxito, alcanzando el puesto #1 en las listas de YouTube y ganando varios festivales de cine. En este proyecto, Timur fue productor y director.

CREDITS

Art Direction & Styling: BELVIS SOLER

Photography: JENS WITTWER

Starring: TIMUR BARTELS @ WE ARE EASY ARTISTS

Make Up Artist: KARIM SATTAR

Hair Stylist: ISABEL MARIA SIMONETH

Styling Assistant: SASKIA FRY

A través del trabajo de Beatriz Chachamovits, se crea un puente entre el arte y la ciencia, ofreciendo una comprensión más profunda de la vida marina. Su enfoque único y provocador insta a los espectadores a reconocer la urgente necesidad de actuar y a reflexionar sobre el papel que todos desempeñamos en el deterioro de los arrecifes de coral.

¿Cuál es el estado actual de los arrecifes de coral?

El estado de los arrecifes de coral en este momento es realmente crítico. Estamos enfrentando el cuarto blanqueamiento masivo global en todo el planeta. El mundo está perdiendo sus arrecifes de coral más rápido de lo que jamás imaginamos. Hay mucho por hacer y poco tiempo para lograrlo.

¿Y qué ocurre en Florida?

La situación en Florida es precaria. Desde los años 70, hemos estado perdiendo rápidamente los arrecifes de coral. En algunas áreas, nos queda alrededor del 2% de cobertura. Nuestro arrecife solía extenderse por 300 millas, pero ha sido devastado continuamente por enfermedades y otros problemas.

Hay una epidemia submarina llamada enfermedad de pérdida de tejido de coral duro, que infecta el tejido del coral y destruye la colonia en aproximadamente cuatro semanas, un proceso extremadamente rápido. Esa enfermedad comenzó aquí en Miami en 2014. Desde entonces, han pasado 10 años durante los cuales esta enfermedad ha devastado los arrecifes de coral de esta región y se ha extendido por todo el Caribe. Además, los arrecifes han sido diezmados por el aumento de las temperaturas del agua, la contaminación y el escurrimiento de nutrientes que tenemos aquí en Florida. Florida es en gran parte tierra agrícola, dominada por las granjas azucareras, y no existe regulación sobre la cantidad de nutrientes que vierten en el agua. Durante la temporada de lluvias, este escurrimiento químico es muy problemático para los corales.

Aquí estamos en la primera línea de pérdida de arrecifes. Esa es una de las razones por las que me mudé aquí, porque sentí que realmente podía hacer algo al respecto. El año pasado tuvimos una temperatura récord en el océano: 101 grados Fahrenheit. Los corales ni siquiera tuvieron oportunidad de resistir; simplemente murieron, y fue horrible. Fue noticia en todo el mundo. Perdimos al menos un 15% del 20% de los corales que aún teníamos. Algunos comenzaron a recuperarse alrededor de noviembre, pero la tasa de mortalidad fue enorme. Científicos de todas partes se apresuraron a sacar especies de coral del océano para tratar de salvarlas.

¿Hubo un momento en el que decidiste que ibas a dedicar tu vida a los corales?

Totalmente. Hubo un momento mágico en 2006 cuando empecé a hablar sobre corales. Estaba en el norte de Brasil, en un estado llamado Bahía, y estaba dibujando algas y plantas marinas en la playa. Un hombre se acercó a mí y, después de ver mis dibujos, me llevó a bucear en una pequeña cueva que estaba completamente cubierta de corales. El techo tenía aberturas por donde entraban los rayos del sol, revelando y oscureciendo los colores, las paletas y los movimientos. Vi criaturas por todas partes y pequeños pececillos plateados moviéndose de un lado a otro. Había una hermosa raya moteada cubierta de arena en el fondo; era amarilla y azul, con todos esos colores gritando en mi cara. Pero más allá de eso, la armonía, la precisión del movimiento, las formas, las texturas… todo sobre ello fue como una explosión de amor para mí. Ese momento cambió mi vida.

Cuando salí del océano, pensé: ¿Por qué nadie está hablando de esto? Yo voy a hablar de esto. Y aquí estoy, casi 15 años después, todavía hablando de ello.

¿Cuál es tu respuesta soñada hacia tu trabajo?

Quiero que la gente se enamore del océano, tal como yo lo hice. Solo te preocupas por las cosas que amas. Si no lo conocemos, no podemos amarlo ni cuidarlo, y entonces no habrá un resultado positivo. Mi esperanza más profunda es que las personas se sientan encantadas por el océano, tal como lo estuve yo. Y que ese encanto se transforme en amor, ese amor en cuidado, y ese cuidado en protección y preservación.

¿Trabajas mucho con científicos para entender los arrecifes y en paralelo a tus exposiciones?

Comencé investigando por mi cuenta porque no conocía a científicos, pero cuando me mudé a Miami, empecé a conectarme más con ellos. Comencé a colaborar, a hacer preguntas y a profundizar. Llegué a Key West para hacer una residencia artística de seis meses y nunca me fui. Pasé esos seis meses conectándome con pescadores, entusiastas del mar y científicos, haciendo inmersiones para descubrir y observar las enfermedades y entender las muertes. Fue el tiempo más práctico que pasé en el océano, y fue crucial para comprender lo que está ocurriendo aquí en Florida. Desde entonces, he estado creando conexiones con otros científicos para poder seguir avanzando.

Tener contrapartes científicas ha sido revelador para mí, en la forma en que puedo comunicar su investigación o los problemas de los arrecifes, especialmente a través de mis instalaciones interactivas. Esas conversaciones con ellos me dieron una hoja de ruta sobre cómo crear esas instalaciones. Sin embargo, la creación de las obras en sí la hago yo sola.

¿Qué puedes contarme sobre tu exposición “Can You Sea Change”?

“Can You Sea Change” fue una colaboración entre un par de amigos míos y yo. Uno de ellos es un artista de mapeo digital y su pareja es un artista sonoro. La pieza de sonido la creó Charlie, quien forma parte de DJs for Climate Action y también tiene conexiones con la biblioteca de sonidos de Greenpeace. Muchos de esos sonidos fueron una mezcla de composiciones que él creó junto con sonidos reales del arrecife. Natasha es la contraparte digital de esta ecuación. Ella creó las imágenes que se muestran en las piezas de cerámica; algunas son grabaciones reales del arrecife y otras son imágenes generadas por código que ella creó. En la exposición mostramos un momento de transición: un arrecife feliz y próspero que luego se calienta y muere. La idea de esta obra era mostrar el ciclo de vida y muerte al que los corales se enfrentan por nuestra culpa.

¿Y qué hay de “Into The Great Dying”?

En 2022, comencé una trilogía de instalaciones interactivas llamada Into The Great Dying. El “Gran Morir” fue la mayor extinción masiva que ha sufrido el planeta, en la que se perdió alrededor del 90% de la vida en tierra y el 70% de la vida en el mar. Ocurrió hace 250 millones de años. Las condiciones que estamos creando ahora en el Antropoceno reflejan las condiciones del planeta en ese momento. Esta serie de exposiciones tiene como objetivo hablar sobre nuestro comportamiento actual y lo que podemos hacer al respecto.

La primera se llamó “Into The Great Dying: Steps We Take”. Para esa pieza, cubrí un espacio de galería con más de 2000 piezas de cerámica sin cocer que imitaban los corales que tenemos en Florida. Cubrí todo el suelo de la sala e invité a las personas a entrar. Fue devastador. Fue el experimento de comportamiento más extraño que he hecho en mi vida. La gente destruyó toda la sala en 30 minutos caminando sobre las piezas. No había ningún espacio dentro de la sala que no estuviera destruido. Fue emocional para mí ver cómo cuatro meses de trabajo eran destruidos en solo 30 minutos. Fue el espejo más increíble que podría haber creado para entender el comportamiento humano, la aceleración de la destrucción, cómo actuamos y lo fácil que es para nosotros destruir. Fue muy intenso.

De todas tus exposiciones, ¿cuál ha tenido la mejor reacción que has visto?

La que más me conmovió fue después de que todos destruyeran todo en esa sala. Hubo una niña, de unos ocho o nueve años, que empezó a buscar las piezas que no estaban rotas por toda la sala y comenzó a construir algo con ellas. Por eso enseño a niños. Les estamos dejando este planeta. Necesitamos que sepan lo que están recibiendo, que estén preparados para el desafío y que tengan esta información. Así que esa fue, sin duda, la cosa más increíble que he visto en mi trabajo.

¿Hay alguna razón por la que siempre eliges trabajar con arcilla?

Sí, hay muchas razones. Primero, trabajar con arcilla es mágico y me recuerda la sensación que tuve cuando conocí los corales por primera vez. En segundo lugar, la arcilla transmite la esencia del coral, en el sentido de que puede durar para siempre, pero también puede romperse en un segundo, y eso es exactamente lo que son los corales. Cada vez que excavamos, encontramos piezas de cerámica de la historia de la humanidad en cualquier parte del mundo. Puede durar para siempre, pero si la dejas caer, se romperá. Sin embargo, esos pequeños fragmentos permanecerán para siempre.

La arcilla y la cerámica son uno de los primeros medios que creamos como sociedad humana en la historia. Los corales son uno de los primeros ecosistemas que hemos tenido en el océano. Hay muchas conexiones que explican por qué uso arcilla.

Antes de trabajar con arcilla, mi medio era el dibujo. Ahora estoy regresando un poco a eso.

¿Tu nuevo proyecto mezclará estos medios?

Sí. Mi nuevo proyecto es una mezcla de dibujos y cerámica. Pero es una constitución de tres nuevos cuerpos de trabajo. Es realmente un golpe de color en la cara. Estoy dejando mi mundo monocromático y entrando en un universo de color total.

¿Te resulta difícil mantenerte positiva respecto al estado de los arrecifes de coral?

Es realmente difícil mantenerse positiva, especialmente en el mundo en el que vivimos hoy. Estamos viendo un mundo que está abandonando la ciencia y priorizando lo que les beneficia económicamente. No están pensando en la longevidad del planeta, en los hijos de las personas, en poder respirar o tener agua limpia. Pero también conozco a muchas personas realmente buenas que están haciendo algo al respecto, especialmente aquí en el sur de Florida.

También he estado observando y hablando de esto en otros lugares del mundo, y hay un aumento de personas que quieren hacer algo. Cuanto peor se pone la situación, más gente veo queriendo actuar. Así que hay una especie de equilibrio entre el optimismo y el pesimismo, pero en este momento no estoy en un estado mental optimista.

¿Tienes una idea de lo que quieres que la gente empiece a hacer para ayudar? ¿Tienes soluciones?

No hay un plan claro de soluciones. Lo complicado de los arrecifes de coral es que la solución no es única, porque requiere la acción de todos. Uno de nuestros mayores poderes es el consumo: cómo usamos nuestro dinero y dónde lo ponemos. Esa es la primera herramienta que tienen los individuos, pero este problema no es individual, es un problema social. Es un problema de las fábricas de caña de azúcar, del gobierno, de la industrialización en general. Es un problema de cómo lideramos nuestro mundo, y no es algo fácil de cambiar. Por eso es tan complicado.

Hay pequeñas cosas que podemos hacer para sentir que estamos contribuyendo, pero lo que realmente necesitamos son líderes que entiendan de verdad que esto es un problema. Así que gran parte de la solución radica en que entendamos que esto es más grande que nosotros mismos, en pedir ayuda y exigir a las personas en el poder que actúen como necesitamos. Porque necesitamos que exista un planeta, ¿sabes? Y sin el océano, no hay planeta.

¿Tienes dificultades para comunicar esto a las personas y en el uso de la arcilla?

Por supuesto. La arcilla es muy desafiante. Tienes que estar muy desapegado porque requiere mucho compromiso y toma de decisiones, y aun así puedes perderlo todo en un segundo. Pero también puede salir del horno como algo increíble. Con la arcilla, tienes que aceptar que todo el esfuerzo que pongas en una sola pieza puede que no se convierta en lo que realmente querías. Pero eso tiene mucho que ver con la forma en que están yendo las cosas en el mundo. Hay muchas metáforas e ideas superpuestas sobre el progreso social en la forma en que trabajas con la arcilla.

Es una parte importante de mi práctica. He dispuesto piezas para que las personas las destruyan, he disuelto mis estructuras. He colocado esculturas dentro del agua que se disuelven durante la exposición para hablar sobre la acidificación del océano. Así que estoy muy inclinada a destruir mi trabajo. No me afecta cuando pasan cosas como estas. Yo misma lo hago porque eso es lo que estamos haciendo al planeta.

Entrevista con el compositor y pianista japonés Koki Nakano

¿Cómo surgió inicialmente tu colaboración con Issey Miyake?

Me pidieron que compusiera música para la colección Primavera/Verano 2023 en París. Me emocionó saber que el diseñador principal, el Sr. Satoshi Kondo, tiene todos mis álbumes y los escucha mientras diseña. Me lo comentó durante nuestra primera reunión, lo cual fue un excelente comienzo para nuestra colaboración.

¿Qué aspectos de la filosofía del diseño de Issey Miyake resuenan más con tu propio enfoque al componer música?

Admiro su concepto de continuidad y fluidez, explorando nuevas formas mientras cortan la tela lo menos posible. El Sr. Kondo no teme colocar principios simples como “alegría” o “esperanza” en el centro de su innovadora y sutil artesanía. Me fascina su enfoque, que siempre celebra la humanidad mientras explora los límites del diseño contemporáneo con perspectivas únicas. A menudo reflexiono sobre la idea de un compositor famoso que decía que una frase contiene toda la información necesaria para su desarrollo. Me tomo mi tiempo para descubrir la progresión más auténtica de cualquier material con potencial, lo cual se alinea con el principio de Issey Miyake de “Una Pieza de Tela.”

¿Podrías describir el proceso de creación musical para los desfiles de Issey Miyake? ¿Cómo traduces los aspectos visuales y táctiles de la moda en sonido?

He trabajado en dos colecciones con ellos. Para ambas, tuvimos reuniones extensas antes de que comenzara a componer. El Sr. Kondo y su equipo me compartieron los conceptos, prototipos y tableros de inspiración de las colecciones. A partir de ahí, investigo materiales que reflejen el tema y trato de crear una narrativa emocional que abarque los 15-18 minutos de duración del desfile. Siempre intento crear una experiencia en la que modelos y público se sumerjan en el universo que Issey Miyake ha creado. En línea con su principio de “Una Pieza de Tela”, intento que la música fluya como un “largo suspiro” a lo largo de todo el desfile.

Issey Miyake es conocido por combinar la artesanía tradicional con tecnología de vanguardia. ¿Cómo influye esta mezcla de tradición e innovación en tu proceso creativo en esta colaboración?

Mi formación clásica, mi cariño por los sonidos acústicos y naturales, y mi curiosidad por los nuevos materiales, especialmente en la música electrónica, encajan bien con su enfoque. Esta mezcla de tradición e innovación resuena naturalmente con mi propio trabajo.

La moda y la música tienen el poder de evocar emociones y contar historias. ¿Cómo sientes que tu música complementa o contrasta con la ropa en las colecciones de Issey Miyake?

Me considero una persona y un intérprete emocional. He actuado en vivo para mis colaboraciones anteriores con ellos, y lo que busco aportar a la colección es un viaje emocional.

Sostenibilidad en música y moda

La sostenibilidad se está convirtiendo en un tema importante tanto en la industria de la moda como en la de la música. ¿De qué formas ves que tu música interactúa con ideas de sostenibilidad? ¿Cómo ha influido tu colaboración con Issey Miyake en tus perspectivas sobre la conciencia ambiental en el arte?

Me gusta pensar en nuestros cuerpos como extensiones del entorno, en lugar de verlos en oposición a él. Issey Miyake a menudo utiliza expresiones como “vestidos por la naturaleza”, y sus prendas a veces actúan como modelos únicos de la conexión entre el entorno y nuestros cuerpos. Este concepto ha sido inspirador para mí.

¿Crees que la música, al igual que la moda, puede contribuir a las conversaciones sobre sostenibilidad? ¿Cómo?

Sí, creo que los creadores pueden introducir diversas formas de alegría y juego, lo cual puede cambiar nuestra forma de pensar sobre el desarrollo y el consumo. Al fomentar una progresión no lineal, podemos promover una mentalidad más sostenible. Veo esto como uno de los roles más importantes de la creación en la actualidad.

En tus composiciones, ¿piensas conscientemente en crear de una manera “sostenible” artísticamente, tal vez enfocándote en la longevidad o en la resonancia emocional en lugar de en obras impulsadas por las tendencias? ¿Puedes dar un ejemplo de una pieza o proyecto en el que hayas incorporado principios de sostenibilidad, ya sea conceptualmente o prácticamente?

Mi primer álbum, Pre-choreographed, exploró la inseparabilidad entre el movimiento y el sonido. Mi álbum anterior, Oceanic Feeling, se inspiró en el concepto del poeta francés Romain Rolland de “una sensación de eternidad” y “un sentimiento de unidad con el mundo externo.” Mi último álbum, Ululō, se centra en las luchas de la existencia en un mundo definido por limitaciones, con un sentido de romanticismo.

Mi interés radica en crear música que explore los marcos y limitaciones que nos rodean, haciéndolos tan fluidos y suaves como sea posible. Por ejemplo, cada vez que escucho el segundo movimiento del Concierto para piano en sol mayor de M. Ravel, me conmueve cómo sus melodías me llenan y acompañan. Tengo un respeto inmenso por los métodos de la música occidental que logran esta sensación a través de armonías y orquestaciones. Como artista no occidental, busco aportar algo nuevo a esta calidez, utilizando tanto instrumentos tradicionales como tecnología moderna.

Filosofía Creativa y Direcciones Futuras

Muchas de tus composiciones parecen estar profundamente conectadas con la naturaleza y el flujo orgánico de la vida. ¿Cómo ves que estos elementos naturales se vinculan con el mensaje de sostenibilidad en tu música?

A menudo considero los sonidos del piano como mi voz o cuerpo, y otros elementos como su entorno o un paisaje dentro de mis composiciones. Suelo explorar diferentes equilibrios y relaciones entre estos dos aspectos; es una especie de investigación personal para encontrar una relación alternativa y mejor con el entorno.

Como compositor, ¿cómo equilibras la innovación con el respeto por la tradición, especialmente en el contexto de la sostenibilidad?

Mi enfoque en el movimiento corporal y la sensación de gravedad siempre me lleva a la pregunta de “¿Qué es la humanidad hoy en día?” Vivimos en una era en la que debemos navegar innumerables opciones sobre cómo usamos la tecnología, y esta pregunta sigue siendo central en mi trabajo.

En un mundo en el que la sostenibilidad ya no es solo una palabra de moda, sino una necesidad, los eco-museos han surgido como santuarios culturales que ofrecen mucho más que una exhibición del pasado. Estos espacios innovadores están a la vanguardia en la manera en que preservamos la historia, el arte y la naturaleza, al mismo tiempo que se adhieren activamente a los principios de conservación ambiental, empoderamiento comunitario y desarrollo sostenible. Muy alejados de los museos tradicionales, los eco-museos combinan el patrimonio con la gestión ambiental, ofreciendo a los visitantes una experiencia inmersiva en el paisaje cultural, social y ecológico que los rodea.

¿Qué es un Eco-Museo?

Un eco-museo no se limita a un edificio con colecciones de artefactos y exposiciones. En su lugar, es un museo vivo que se extiende por paisajes, comunidades y ecosistemas. El concepto, desarrollado por primera vez en Francia en los años 70 por el museólogo Hugues de Varine y el historiador Georges Henri Rivière, tiene como objetivo integrar el patrimonio cultural con el medio ambiente natural. Estos museos se enfocan en la relación entre las comunidades locales y su entorno, fomentando la participación activa en la conservación del patrimonio y promoviendo la sostenibilidad.

A diferencia de los museos tradicionales, los eco-museos suelen ser dirigidos por la comunidad, lo que significa que los lugareños están profundamente involucrados en la preservación de su propia historia, tradiciones y entorno. Estos espacios también suelen tener estructuras descentralizadas, con exposiciones dispersas por pueblos, aldeas o paisajes naturales. Esta estructura asegura que el museo sea ecológico, minimizando el impacto ambiental de edificios centrales que consumen mucha energía.

Un Movimiento Global por la Sostenibilidad  

Los eco-museos se han extendido por todo el mundo, cada uno adaptado para reflejar los aspectos culturales y ambientales únicos de su región. A continuación, examinamos algunos de los eco-museos más inspiradores del mundo, cada uno ofreciendo un enfoque distinto en sostenibilidad, preservación cultural y educación ambiental.

Parco Museo Minerario dell’Amiata, Toscana, Italia

Ubicado en el pintoresco paisaje de la Toscana, el Parco Museo Minerario dell’Amiata (Parque Museo Minero de Amiata) muestra las historias entrelazadas de la minería, la naturaleza y la comunidad. Este museo al aire libre se extiende por las laderas del Monte Amiata e invita a los visitantes a explorar antiguas minas, cada una restaurada e integrada en el entorno natural. Una vez fuente de sustento económico local, las minas se han convertido en una herramienta educativa para que los visitantes aprendan sobre el patrimonio minero de la Toscana, los impactos ambientales de las actividades industriales y la importancia de la restauración ecológica. El museo funciona con fuentes de energía renovables, y muchas de las exposiciones se centran en la rehabilitación ambiental, subrayando la necesidad de un equilibrio entre la actividad económica y la sostenibilidad.

Ecomuseo del Viento, España

En la región de los Pirineos de España, el Ecomuseo del Viento celebra el poder antiguo y renovable del viento. Aquí, los molinos de viento tradicionales, paneles solares y turbinas eólicas trabajan juntos, destacando la dependencia centenaria de la comunidad local en las fuentes naturales de energía.

El museo sirve como un centro de aprendizaje, demostrando el uso de prácticas de energía sostenible del pasado y promoviendo tecnologías modernas que aprovechan la energía limpia. El eco-museo también protege la vida silvestre y flora circundantes, asegurando la preservación de la biodiversidad a través de prácticas de agricultura orgánica y turismo sostenible.

Highland Folk Museum, Escocia

El Highland Folk Museum, considerado uno de los museos de historia viva más antiguos del mundo, ha estado a la vanguardia de la conservación del patrimonio sostenible. Situado en el Parque Nacional de Cairngorms, el museo incluye cabañas y crofts con techos de paja que recrean la vida en Escocia desde el siglo XVIII hasta la década de 1950.
El museo utiliza materiales y técnicas de construcción sostenibles, como el techado de paja y el aislamiento natural, para garantizar la preservación tanto del patrimonio cultural como ecológico.

Museo al Aire Libre de Bokrijk, Bélgica

Ubicado entre frondosos bosques y praderas, el Museo al Aire Libre de Bokrijk en Bélgica presenta un modelo dinámico para la integración de la cultura y la naturaleza. El museo alberga más de 120 edificios históricos que reflejan la arquitectura tradicional flamenca, restaurados con métodos ecológicos.

Ecomuseo del Norte, Suecia

En el extremo norte de Suecia, el Ecomuseo del Norte abarca más de 3.000 kilómetros cuadrados, con más de 100 sitios. Este museo descentralizado pone un énfasis particular en la cultura indígena Sami y su relación con el medio ambiente.

+ Words:
Stephanie Selçuk-Frank
Luxiders Magazine Contributor

+ Image Highlight:
© Dannie Jing via Unsplash

A pesar de que el proyecto se basa en la fotografía, la ciencia, especialmente la ciencia natural, juega un papel igualmente importante en el proceso. Al combinar tinta con elementos como aceites, compuestos ácidos y soluciones de sodio, es capaz de crear hermosas y vibrantes reacciones químicas que utiliza como sujetos de sus imágenes. Hoy en día, la idea ha evolucionado para utilizar muchas técnicas y materiales diferentes, aunque la influencia de los colores, formas y patrones que ocurren en la naturaleza sigue siendo la misma. De manera similar, el interés del artista por la pintura también desempeña un papel en el proyecto, describiéndose a sí mismo como un “pintor atrapado en el cuerpo de un fotógrafo”. Habiendo tomado clases de pintura, dibujo y grabado a lo largo de los años, pero centrando su carrera principalmente en la fotografía, este proyecto le ha permitido incorporar sus habilidades de pintura en su trabajo.

Antes de dedicarse por completo a su práctica como artista plástico, trabajó como fotógrafo profesional para una casa de subastas durante 15 años. Esta larga experiencia como fotógrafo profesional le proporcionó un conjunto de habilidades que utilizaría en su práctica personal. Atribuye las habilidades de estudio que aprendió en ese trabajo como la razón por la cual es capaz de crear las imágenes impactantes y coloridas que produce hoy en día. La amplia experiencia en el uso de geles de color, filtros polarizadores y fondos de plexiglás de colores durante su carrera profesional le ha permitido tener un gran control sobre los colores que muestran sus fotografías.

Aunque esta experiencia en fotografía de estudio le ha permitido tener un control considerable sobre los colores de una imagen, la experimentación es una parte importante de este proceso. Explica cómo ocasionalmente las mezclas pueden alterar los colores de formas impredecibles, pero que la incertidumbre del proceso es algo que ha aprendido a abrazar en su trabajo. Con el tiempo, ha encontrado combinaciones químicas que le interesan más que otras, lo que le ha permitido enfocar la dirección de sus principales cuerpos de trabajo.

FASCINACIÓN POR LA NATURALEZA

Habiendo tenido la oportunidad de conocer a Ansel Adams en su adolescencia, al participar en un taller que este organizaba en el Parque Nacional de Yosemite, Keith Peterson considera que este encuentro influyó en su práctica más adelante en la vida. Aunque admite que era demasiado joven para comprender los aspectos técnicos del taller, el amor tanto por la fotografía como por la naturaleza que aprendió en esa experiencia ha permanecido con él hasta el día de hoy.

Esta fascinación por la naturaleza está profundamente arraigada en el fotógrafo y lo hace evidente en su trabajo. Muchas de las reacciones químicas que fotografía tienen similitudes con los elementos que se ven en el entorno natural, y recuerda la “gran satisfacción” que siente cuando es capaz de replicar cosas como flores y árboles en sus experimentos fotográficos. Su interés y amor por la naturaleza también lo han inspirado a crear sus propios pigmentos para su trabajo, utilizando minerales y materia orgánica que recolecta durante sus caminatas.

Desde su infancia, Jakob Kudsk Steensen ha estado fascinado por el medio de los videojuegos. Su capacidad para transformar el mundo que nos rodea ha inspirado muchas de sus obras de arte virtual inmersivo. La pasión de Jakob por la realidad virtual pronto se combinó con su admiración por el entorno natural, concretamente por los humedales. Juntando sus dos pasiones, Jakob explora historias pasadas y presentes que interactúan con nuestro paisaje, reformulando nuestra percepción del mundo que nos rodea.

FOLCLORE Y CANCIONES: LAS VOCES DE LA NATURALEZA

¿Quién es Jakob Kudsk Steensen y cuál es su visión?

Soy artista. Soy de Dinamarca, pero durante los últimos diez años he trabajado en Nueva York, y recientemente me he trasladado a Berlín. En mi práctica, trabajo mucho con las tecnologías de los videojuegos, pienso mucho en cómo utilizarlas más allá de lo habitual en los videojuegos. Estos se basan mucho en el objetivo y el nivel y siguen como una experiencia y un diseño más racionales, en los que hay que tocar o interactuar con las cosas muy de tú a tú. Así que me especializo en una forma muy intuitiva, colaborativa y ambiental de utilizar las tecnologías de los videojuegos en particular, para transmitir perspectivas pasadas por alto u olvidadas sobre las historias naturales, las diferentes especies y las cosas en las que no se piensa tanto pero que forman parte importante de la naturaleza.

Últimamente también he empezado a trabajar mucho con canciones y tipos de folclore y a buscar sensibilidades y palabras perdidas que se utilizan para describir y hablar de nuestra relación con diferentes entornos. Así que ahora también empiezo a trabajar a partir de una canción y a crear este tipo de instrumentos rítmicos, casi hipnóticos para la gente. Esa es una breve descripción de lo que hago.

Suena muy bien. Así que, obviamente, tu arte es una especie de libertad y es bastante envolvente. ¿Puedes explicar, como artista, qué te hizo gravitar hacia ese medio? ¿Siempre te interesó? ¿Ha sido una especie de viaje para ti?

Sí, en realidad estaba pensando en eso. Estaba nadando y, cuando salí del agua, pensé en un recuerdo. Cuando era niño, mi amigo Simon andaba por mi casa, a menudo jugábamos juntos a los videojuegos. Es una pasión para mí desde que tenía ocho años o algo así. Crecí amando los videojuegos, me gustaban los mundos en 3D, más complicados, en particular me apasionaba tener ese tipo de perspectiva en primera persona. Es muy común hoy en día, pero significa que puedes navegar realmente por el espacio. Así que mi amigo Simon, siempre tenía ansiedad cuando estaba en un videojuego, especialmente cuando teníamos que estar bajo el agua. Porque bajo el agua puedes moverte en todas estas direcciones diferentes que normalmente no puedes físicamente. Y sentado delante de un ordenador, se convertía en una especie de sensación extraña en tu cerebro mientras te desplazabas. Como si estuvieras mirando tu mano con el ratón, tus dedos en el teclado. Es algo táctil, pero de repente tu perspectiva cambia y se mueve de todas esas formas imposibles. Así que para mí, ha sido algo que me ha atraído mucho, realmente. Recuerdo mis años de infancia y de adolescencia, en los que la explosión de este nuevo medio, más parecido a los complejos mundos en 3D, me apasionaba.

Así que, para mí, parece algo normal e intuitivo hacia lo que gravitar. Y en los últimos cinco años, con esta nueva segunda ola de realidad virtual y realidad aumentada y, más recientemente, con la posibilidad de crear instalaciones inmersivas a gran escala, parece que ahora somos capaces de ir más allá de la pantalla bidimensional y podemos abrazar realmente las dimensiones conceptuales del espacio 3D, de formas nuevas que no habíamos experimentado antes. Es como si nos alejáramos del arte bidimensional y nos acercáramos a otra cosa, algo más corporal, algo más físico y algo en lo que el cuerpo humano es realmente el centro de la experiencia. Por eso me siento muy atraído por los llamados medios de inmersión.

Suena muy complejo. Es un recuerdo muy bonito que resume lo que significa tu trabajo. Tuviste una exposición reciente en Berlín inspirada en los humedales de Brandenburgo.

Sí. En la región de Brandenburgo.

¿Podrías explicar un poco por qué elegiste los humedales como tu principal musa en algunos de tus trabajos?

Porque creo que algunas personas pensarían que, obviamente, los bosques y las flores son una gran fuente de inspiración, pero los humedales no vienen a tu cabeza automáticamente como algo bello de la naturaleza. En el pasado, he trabajado con narrativas más icónicas en las que estamos acostumbrados a pensar cuando consideramos el mundo natural o el cambio climático. Hice un proyecto en 2016 llamado Primal Tourism, que tenía lugar en una isla tropical que se hundía, la isla de Bora Bora, y reanimaba otra obra de arte de realidad virtual. Trabajo con los cantos de aves extinguidas, y también con glaciares y diferentes bosques. Así que he pasado de trabajar con tipos de paisaje en los que pensamos inmediatamente cuando pensamos en nuestra relación con la ecología y el clima, pero en los últimos dos años he intentado ir más allá y buscar historias sobre el medio ambiente en las que pensamos más raramente. Lo que encontré fue que los humedales son un tipo de ecosistema absolutamente esencial y muy ignorado porque cualquier gran ciudad y civilización del mundo está construida por un humedal. Y se teoriza, ya sabes, que todos los humanos modernos provienen de los humedales de África. Así que es como si hubiéramos olvidado la importancia de los humedales. Y es por eso que tenemos problemas con el agua dulce. Es por eso que tenemos ríos y lagos tóxicos alrededor de Europa y los Estados Unidos, porque la definición de un humedal. es un ecosistema que es capaz de mantener su propia agua dulce.

Y el agua dulce, por supuesto, es esencial para los mamíferos y la supervivencia humana. Así que nos hemos olvidado de este paisaje tan esencial e importante justo debajo de nuestros pies. En Berlín creé esta obra de arte llamada Berl Berl, las cuatro primeras letras de la palabra Berlín. En realidad es una antigua palabra eslava que se usaba en la región en la Edad Media, y significa pantano. El propio nombre de Berlín significa pantano.

Así que me invitaron a una exposición de arte en Berlín y creé esta instalación inmersiva en el Hallmarks, que normalmente era un club nocturno. Y lo convertí en un instrumento virtual pantanoso en el que la gente entraba y se hipnotizaba o se hundía. La gente pasaba entre una y tres horas dentro de la obra de arte y luego se tumbaba en las almohadas, caminaba, se sentaba y quedaba realmente hipnotizada en esta sopa de pantano primordial. Así que esa es la razón por la que hice esa obra de arte Berl Berl en Berlín específicamente.

Obviamente, sé que has hecho cosas recientemente. Mencionaste nuevos elementos en tu trabajo, como empezar a trabajar con música y canciones. Has mencionado que has trabajado con un cantante, Arca y Matt McCall. ¿Podrías mencionar cómo fue este viaje hacia la inclusión de la música en tu trabajo? ¿Cómo lo hiciste? ¿Qué fue lo primero que te inspiró a incluir este tipo de cosas en tu trabajo?

Sí, definitivamente. Empezó con un libro que leí de una autora británica llamada Melanie Challenger, titulado On Extinction. Es realmente el libro que me llevó por el camino de centrarme mucho en el folclore, las palabras populares, las canciones y este paisaje más olvidado bajo nuestros pies en todas partes. Porque inicialmente Michelle escribe que las palabras que usamos para describir el mundo son las palabras que podemos usar para protegerlo. Y por eso me fascinó, sobre todo en Berlín. Buscando en su historia natural, descubrí que antes de la Edad Media había una multiplicidad de culturas y lenguas diferentes en toda la región. Y estos hablaban muchos dialectos diferentes del eslavo y otros como los de Europa del Este. Y luego se pasó al alemán. Y a estos dialectos se les llama a menudo culturas de canto. Así que también en Irlanda, es lo mismo. De hecho, en algunos lugares de Dinamarca, muchos humedales están rodeados por estos cantos, diversos dialectos.

Y las culturas tienen canciones como una forma de navegar por el mundo. En lugar de tener una cultura escrita donde estamos documentando y escribiendo nuestras historias sobre el mundo, una canción tiene diferentes versos y puede tener silencios, luego cambiar a través del tiempo para adaptarse a cómo el sistema de valores específicos o el paisaje se está transformando. Así que la canción es realmente algo muy maleable, muy mutacional, pero también muy descriptivo y algo que puede crear un fuerte sentido de pertenencia. En el trabajo publicitario Berl Berl, invité a esta cantante Arca a responder con una serie de versos cortos y palabras basadas en imágenes y folclore que yo le enviaría desde el lugar real. Así que envié una vieja canción eslava sobre una palabra hecha de fuego, envié un cuento, una pequeña historia de estas ninfas y de cómo cantaban y atraían a los hombres a los ríos. Envié historias sobre el rey rana que solía gobernar los pantanos. Y enviaba diferentes imágenes de polillas, de insectos, hojas, barro, como sistemas de hongos, todo tipo de material que tengo de los alrededores de Berlín. Y entonces ella enviaba pequeños versos en sonidos de conversación material.

Y por encima de eso, ella también cantaría a la obra de arte como si fuera una catedral, porque ese tipo de lugar se siente como una iglesia y se refiere a una iglesia de Berlín. Es como el club nocturno más famoso de la ciudad donde tuvo lugar la exposición. Así que ella también le cantaría como a una especie de catedral, algo así como una forma cristiana de relacionarse con el espacio, pero también muy chamánica y muy intuitiva y personal. Así que se obtiene esta mezcla total de algo que se siente religioso, algo que se siente personal, algo que se siente muy construido o conversacional.

Y luego está la relación con Matt McCall. Es un tipo con el que he trabajado muchas veces. Hace sonidos en el Museo de Historia Natural de Nueva York. Es experto en trabajar con grabaciones naturales. Así que salimos juntos y grabamos sonidos de la excelencia y trabajamos con el Archivo de Historia Natural de Berlín para conseguir sonidos grabados. Realmente mezclamos las canciones de las grabaciones de archivo de los humedales y los pantanos alrededor de los villanos del pasado con las grabaciones del presente. Y esto se mezcla en tiempo real con Berl Berl, que esencialmente es un mundo virtual y un instrumento vivo.

Así que nunca suena ni se ve igual. Simplemente se mezclan todos estos elementos diferentes en tiempo real y se convierten en esta cosa extraña que se mueve y cambia y a veces se siente como un alboroto y luego a veces se siente como un documental de la naturaleza y realmente está girando a través de diferentes espectros emocionales y diferentes perspectivas de los humedales continuamente. Por eso me interesan ahora el folclore, las canciones y los versos. Porque es una forma de ver un ecosistema con algo muy pero que muy estático, es algo que puede cambiar. Se pueden combinar diferentes palabras en diferentes secuencias, pueden cambiar la tonalidad y cambiar un poco la expresión, y por lo tanto la sensación del paisaje. Y en Berl Berl, todo lo que se ve en la obra en este pantano virtual controla lo que ocurre con los sonidos. Así que si es muy lluvioso y fangoso, en ciertas ráfagas el sonido es más arcaico. Si hace sol y estás en medio de unos árboles, el sonido es más realista y parecido al de los pájaros. Así que a medida que vas recorriendo el entorno, las canciones te siguen y viceversa. Es como este sistema dual en el que todos estos elementos diferentes están conectados y nadie sabe realmente qué va a pasar cada vez que se expone.

JAKOB KUDSK STEENSEN: ¿QUÉ SIGUE?

Tu reciente exposición colectiva para el Festival Sónar en España también se inspiró en un conjunto diferente de humedales. Mucha gente se imagina los humedales como una especie de espacio oscuro entre el agua y la vida y una especie de espacio liminal en el que nos encontramos en una especie de punto intermedio. ¿Tienes esa sensación? ¿Qué es lo que realmente te ha llamado la atención de los humedales?

Sí, es curioso porque cuando empecé a trabajar explícitamente con los humedales, sobre todo con Berl Berl y la obra de arte Liminal Lands que mencionas, me di cuenta de que mis obras de arte favoritas del pasado tenían lugar o representaban humedales urbanizados. No era realmente una intención racional. Es como si esa obra, animada, tuviera lugar en un humedal montañoso. Una de mis otras obras, Aqua Phobia, tiene lugar en un humedal, en las Brooklyn Galleries de Londres. Así que descubrí que me atraen estos paisajes limbos, morfológicos, indefinibles. Es como si te dieran espacio para imaginar el mundo de nuevas maneras. Te dan el espacio para ir más allá de la representación realista. Te dan una especie de dimensión, una dimensión menos racional con nosotros, menos presión para que definas todo lo que estás diciendo y haciendo, y puedes entrar y jugar con las cosas.

Esencialmente, estos reinos menos definibles tienen menos límites que los terrenales, lo que vive en los árboles, lo que vive en el agua, todas las criaturas tienen relaciones muy estrechas. Es como un ecosistema entre especies. Y también hay un lugar donde la vida a diferentes escalas, digamos un ciervo y las bacterias en el suelo, un pájaro en un árbol, todos ellos se influyen mutuamente de manera muy estrecha. Así llegamos a este lugar donde se puede pensar realmente en la interconectividad de la vida a diferentes escalas, y realmente se puede impregnar con una gran cantidad de mitología e imaginación.

Siendo alguien que ha trabajado con tecnologías de videojuegos y con herramientas industriales 3D, durante la mayor parte de mi vida he sentido curiosidad por este tipo de libertad de imaginación. Sin embargo, tener que adherirse a las historias de un lugar específico es algo que es muy atractivo para mí. Es casi como un sinónimo del mundo actual, donde tenemos todo este control a través de la tecnología. Creemos que tenemos patrones orgánicos en el mundo y nuestro subconsciente, nuestros sueños y todo lo demás. Realmente no podemos controlar esos elementos completamente. Así que es una forma de trabajar con tierras húmedas en concreto a las que puedes imbuir de toda esta imaginación.

Esta obra de arte, Limited Lands, se realizó en 2021 con una fundación artística llamada Luma. Pasé todo un año documentando los cambios en el paisaje basados en la sal, el agua dulce, las bacterias y las algas y cómo están cambiando el aspecto de las cosas. Por ejemplo, una rama de un árbol puede ser de color marrón y tener el aspecto de un árbol un día. Luego, una semana después, puede convertirse en un cristal recubierto de blanco. Una semana más tarde puede convertirse en rosa y verde porque las algas y los niveles de salinidad cambian. Así que tienes esta zona muy transmutacional que existe. El humedal específico llamado Kamak existe entre el agua dulce, el agua salada y el suelo mediterráneo y más agrícola. Así que es este tipo de membrana la que realmente existe entre los mundos en todo momento. Algunas cosas mueren y viven muy rápidamente. Como me encontré con este pájaro que había caído en el agua, y luego el agua se había vuelto más salada, por lo que probablemente la bebió y murió. Y luego se convirtió en un cristal gigante porque una semana después había habido mucho sol. Y cuando hay mucho sol, el agua se evapora y todo se convierte en sal.

Y entonces esa sal, esas diferentes algas rosas y verdes crecen. Tienes esta gaviota rosa cristalizada en el paisaje y todo tipo de formaciones que son reales, que están documentadas a través de este tipo de fotografía espacial en 3D. Pero cuando las miras de forma aislada y puedes cambiar la perspectiva, casi parece ciencia ficción. Así que fue esta idea de encontrar, de nuevo, estos mundos imaginativos de ciencia ficción justo debajo de nuestros pies como una forma de decir también que no es necesario mirar a la vida en la luna para obtener una ciencia ficción fuerte. La tenemos a nuestro alrededor. Simplemente nos olvidamos de ello, de que el mundo puede ser mucho más extraño de lo que pensamos, pero tendemos a olvidarlo cuanto más nos sumergimos en el medio virtual. Así que esta Tierra Liminal es una obra de arte de realidad virtual para reunir a la gente. Normalmente, donde están, el movimiento cambia el sonido en el paisaje. Así que, de nuevo, es como esta idea de trabajar con el instrumento y el sonido. Así que cuando la gente se mueve físicamente en la obra de arte, cambian los sonidos y las texturas en este paisaje virtual. Y el paisaje virtual está hecho completamente de sonidos y elementos digitalizados de la tierra.

Es una forma muy hermosa de pensar en los humedales. Y creo que es tan poético que ni siquiera me había dado cuenta de que eran humedales. Y creo que es un poco espeluznante, pero también una especie de destino. Supongo que la última pregunta que tengo para ti es ¿cuáles son tus planes futuros? ¿Tienes algún proyecto próximo? ¿Qué tienes en marcha en este momento?

Sí, tengo una obra de arte más pequeña que ha salido este verano. Es una obra de arte pública en Suiza que analiza por qué durante los últimos años, sólo he estado trabajando en estas grandes colaboraciones. Así que el pasado mes de febrero, pasé dos semanas yendo a una cueva de un glaciar en Suiza, y la escaneé, y fui con un amigo mío, Joe Kunan, un escritor. Él ha escrito una pequeña historia corta para esta obra de arte. Así que hicimos algo muy impulsivo e intuitivo en las montañas suizas. Y eso se ha convertido en una instalación de vídeo, pero es una especie de proyecto intermedio en el que lo que realmente quiero trabajar a continuación es una especie de videojuego inmersivo de tipo operístico y una serie de exposiciones.

También voy a dar una conferencia en la Ópera de Finlandia, ya que tengo mucha curiosidad por empezar a explorar estas nuevas formas de colaboración entre el mundo del arte contemporáneo y estas instalaciones inmersivas entre la música y la naturaleza. La música es una forma de contar historias y de tener personajes y trajes y todo lo demás, y luego tener mundos en línea totalmente distribuidos en los que la gente puede entrar para experimentar las obras de arte… Así que ahí es donde está mi cabeza mirando hacia el futuro.

+ Highlight Image:
© Jakob Kudsk Steensen

+ Words:
Emily Fromant
Luxiders Magazine

ORIGINS OF THE TREND 

La tendencia Heroin chic surgió a principios de los años 90. Esta tendencia se caracteriza por la piel pálida, las ojeras marcadas y las facciones demacradas y andróginas. Estos rasgos reflejan los de una persona que consume drogas. La tendencia apareció al mismo tiempo que se producían cambios en el mercado de la heroína. La disminución de los precios, el aumento de la pureza y un cambio hacia el consumo por inhalación (lo que reducía las preocupaciones por el SIDA) disminuyeron el estigma asociado y llevaron a una glorificación del consumo de drogas.

Durante los años 90, la cultura pop adoptó la estética del heroin chic. Películas como The Basketball Diaries, Trainspotting y Pulp Fiction retrataban el consumo de heroína, mientras que músicos del grunge atrajeron la atención hacia su uso al referirse abiertamente a sus luchas con esta droga. Estos elementos culturales reforzaron la tendencia en los medios de comunicación convencionales, moldeando la percepción pública sobre la droga y el estilo de vida asociado.

¿Quiénes fueron relacionados con la tendencia Heroin Chic?

Las figuras icónicas del movimiento heroin chic incluyen a las supermodelos Kate Moss y Gia Carangi. La delgada y grunge apariencia de Kate Moss, junto con su reputación rebelde, la consolidaron como un ícono de este estilo. Las campañas con Calvin Klein que destacaban sus rasgos jóvenes, delgados y pálidos enfatizaron esta estética. Gia Carangi, a menudo considerada una de las primeras supermodelos del mundo, también está asociada con los orígenes del heroin chic. La carrera de Carangi y su lucha contra el abuso de drogas resaltaron el lado oscuro de la industria de la moda, y murió por complicaciones relacionadas con el SIDA a los 26 años.

El fotógrafo italiano Davide Sorrenti es recordado por su papel en el auge y la caída del movimiento heroin chic. Sorrenti formaba parte de una famosa familia de fotógrafos de moda, y su estilo personal encarnaba este movimiento. Alcanzó la fama a una edad temprana, pero luchó con una adicción a la heroína y murió a los 21 años. Después de su muerte, su madre inició una campaña contra el movimiento, luchando contra la glamurización de la adicción a las drogas y el uso de modelos menores de edad. En su funeral, la editora Ingrid Sischy acuñó el término heroin chic.

Tras la muerte de Davide Sorrenti, que fue calificada erróneamente como una sobredosis de heroína, marcó el abrupto fin de la tendencia heroin chic.

¿Por qué es problemático?

Heroin chic es una tendencia problemática por muchas razones. Glamoriza la adicción a las drogas y estilos de vida poco saludables, presentándolos como algo deseable y a la moda. Dado el impacto de la industria de la moda en la sociedad, esto puede llevar a la normalización de comportamientos peligrosos. Esta influencia negativa puede dejar impresiones en los jóvenes que pueden resultar en problemas graves de salud e incluso la muerte. El enfoque de la tendencia en la extrema delgadez también promueve una imagen corporal poco saludable. Retratar estos cuerpos como deseables puede contribuir a la dismorfia corporal, los trastornos alimenticios y otros problemas de salud mental.

Heroin chic también trivializa la gravedad de la adicción a las drogas. El sufrimiento real de las personas con adicciones se pasa por alto cuando se convierte en una tendencia popular. El apoyo de la industria de la moda a esta estética refleja y refuerza estándares sociales dañinos, haciendo que esta tendencia sea profundamente problemática.

Muchas personas han hablado sobre los peligros de esta tendencia. En 1997, el entonces presidente Bill Clinton criticó la glorificación de la heroína y denunció su presentación como una forma de arte. Otras figuras públicas, como el diseñador Calvin Klein, también han condenado esta tendencia desde entonces.

¿Vuelve la tendencia Heroic Chic?

¿Está regresando la tendencia heroin chic? A pesar del crecimiento del movimiento de positividad corporal, los físicos extremadamente delgados están recuperando popularidad. En 2022, New York Post publicó un artículo titulado “Bye-bye booty: Heroin chic is back” (Adiós al trasero: El heroin chic está de vuelta). El artículo explica el declive de los físicos curvilíneos y el resurgimiento de las modelos delgadas. Desde su publicación, ha recibido numerosas críticas de activistas y celebridades que señalan que los cuerpos no son una tendencia.

A pesar de estas reacciones negativas, la tendencia ha mostrado un cierto resurgimiento, particularmente en plataformas de redes sociales como TikTok. El hashtag #HeroinChic está en tendencia y la estética de la sad girl (chica triste) está en auge. Los usuarios han notado un creciente número de publicaciones y contenido que glorifican cuerpos extremadamente delgados, evocando la era del heroin chic. Esto ha generado debates sobre los impactos negativos en la imagen corporal y la salud mental, especialmente entre las audiencias jóvenes de la plataforma.

El renovado interés en la estética heroin chic pone de relieve los desafíos persistentes en las industrias de la moda y la belleza en relación con los estándares corporales y la representación de cuerpos saludables.

+ Highlight Image: ©Christopher Campbell via Unsplash

IMAGINE: DISEÑO REGENERATIVO DE ARRECIFES DE CORAL

Del 3 de mayo al 23 de junio de 2024, la exposición ‘Imagine: Coral Reef Regenerative Design’ tuvo lugar en el Kunstgewerbemuseum de Berlín. Esta exposición de diseño experimental retrató los arrecifes de coral en un mundo que enfrenta múltiples crisis. El complejo ecosistema de un arrecife de coral está muriendo debido al cambio climático provocado por el hombre. ‘Imagine: Coral Reef Regenerative Design’ demuestra esto al tejer papeles blancos y exponerlos bajo luz ultravioleta para simular el blanqueamiento de los arrecifes. Posteriormente, la exposición aplica procesos de diseño para mostrar a los espectadores posibles caminos para salvar los arrecifes.

La exposición creó un espacio inmersivo donde macro-corales, basados en las instrucciones de diseño abierto del proyecto “Crochet Coral Reef” de Christine y Margaret Wertheim (Institute for Figuring), destacaron el problema que supone el blanqueamiento de corales. El arrecife de coral se pobló con objetos que representaban temas centrales de los principios del diseño regenerativo, inspirados en el texto Enlivenment de Andreas Weber. Estas exposiciones sirvieron como iniciadores de conversaciones, alentando a los visitantes a reflexionar sobre los posibles roles que el diseño puede desempeñar en la creación de futuros regenerativos.

¿Qué fue lo que te inspiró acerca de los arrecifes de coral?

Este podría ser el primer sistema biológico que va a desaparecer por completo. El coral es una imagen muy intuitiva, colorida y vivaz. Cuando digo arrecife de coral, todos tienen esta imagen de peces nadando y todos esos colores. Lo segundo que podrías pensar es en el blanqueamiento de corales, que es algo que los ecosistemas enfrentan cada vez más. Encontramos que esta doble imagen era una configuración interesante para pensar en un tema que todavía es bastante abstracto cuando hablamos de diseño regenerativo.

No soy biólogo, pero lo que me fascina como diseñador y en la serie de diseño es: ¿cómo puede un ecosistema tan vivo y rico formarse en áreas donde no hay absolutamente nada? Entonces, solo es la infraestructura de los corales, la que produce este increíble ecosistema. Creo que esto sirve como una metáfora cuando piensas en cómo podríamos permitir este tipo de ecosistema floreciente en nuestro contexto cultural.

¿Hubo algún momento en particular en el que te diste cuenta de que esto era lo que querías hacer?

En la investigación preliminar de la exposición, nos encontramos con una herramienta de inteligencia del Foro Económico Mundial. Es una especie de herramienta de red donde al presionar cualquier cosa se crean todas estas otras relaciones. Investigamos el diseño circular y hacia dónde va, y uno de esos caminos va hacia el océano. Esto fue lo que nos llevó a esta idea tan loca de pensar en el mar.

¿Cómo esperas que reaccione la gente ante la exposición? ¿Tu objetivo es inspirar la realización de nuevas formas regenerativas de actuar?

La exposición tiene diferentes aspectos. Un aspecto es lo que llamamos la sala del arrecife de coral, porque generalmente en las otras exposiciones todo estaba en una sola sala. Así que, al adaptarnos a estas condiciones en el Kunstgewerbemuseum, tuvimos que separar las cosas, lo que nos llevó a tener esta instalación más inmersiva en una sala con una proyección bastante impactante de estos tipos de biodiversidad frente a materiales producidos por el hombre apilándose. La otra sala es lo que llamamos el laboratorio de diseño regenerativo. Este formato no es solo una exposición, sino que también cubre los talleres que hacemos con universidades cuando la exposición se traslada de un lugar a otro.

Ves siete objetos que representan los siete principios y, por supuesto, esto es una investigación en curso, por lo que es muy difícil encontrar ejemplos realmente audaces, pero lo intentamos con mucho esfuerzo.

Creo que no siempre se trata de decir “mira, así es como vamos a hacerlo”, pero por ejemplo, el zapato de pasto es algo que representa los bienes comunes. Entonces, las mujeres mayores van al bosque, encuentran el lugar secreto y allí cosechan la hierba, luego la llevan de vuelta y la secan. Por supuesto, no es un tipo de plan o receta para que Adidas o Nike produzcan sus zapatos. Pero creo que debería ser una inspiración para mirar todo el proceso de qué tipo de materiales se utilizan y a quién pertenecen.

Creo que el diseño debe ser una toma de decisiones más informada. Necesita diseñar toda la cadena de valor también. A veces los diseñadores solo quieren una solución sencilla, así que eligen bioplástico, pero no creo que sea tan fácil.

Hubo mucha investigación diferente e información técnica en la exposición. ¿Cómo fue la experiencia de colaboración entre todos?

Cuando comenzamos las exposiciones el año pasado, fue esta instalación inmersiva. Dijimos que queríamos una exposición experimental de una manera que creo que hemos logrado, especialmente a través de la arquitectura de la exposición. Lo otro que dijimos es que queríamos que fuera auto-aprendizaje. Este es uno de los principios naturales. Queríamos este tipo de apertura y de cosas no planeadas. Así que una de estas cosas fue la colaboración con estudiantes. No tuvimos esto en Berlín, pero estoy muy agradecido por la colaboración con otras bandas del Kunstgewerbemuseum. La curadora del museo construyó una plataforma humana moderna que encaja muy bien. Encontró objetos realmente maravillosos de la Renacimiento. Esto desafía las teorías del diseño moderno, ya que antes creíamos que podíamos hacer la naturaleza aún más hermosa poniéndole oro y contando historias mitológicas. Es una locura que un artesano pudiera quitar la cáscara exterior, dejando solo la superficie de la perla. Esto resalta la necesidad de una investigación interdisciplinaria. Los museos a veces no se conectan ni cuestionan cómo embelleceríamos la naturaleza hoy en día. Revisar las prácticas pasadas y entender cómo reintegrarlas en nuestra sociedad actual es crucial. Tenemos que encontrar mejores soluciones muy rápido.

¿Podrías contarnos algo sobre tu decisión de hacerla una exposición itinerante?

La exposición itinerante fue una posibilidad dada por nuestros clientes. Cuando Austria empieza a financiar exposiciones, a veces se presenta como una especie de cosa relacionada con estilo colonial para mostrar lo buenos que somos y nuestros productos, nuestro arte y nuestra arquitectura. Esta exposición está realmente trabajando conscientemente en contra de eso, yendo a algún lugar y siendo más inteligentes que el lugar. Para Belgrado, estamos colaborando en una de las exhibiciones con una organización llamada Co/Rizom. Es una red que cubre artesanías individuales muy talentosas, principalmente en la región de los Balcanes y en Tirana. En Belgrado, activaremos una de estas exhibiciones para crear un impacto allí.

Las siguientes paradas son Delhi y Bangalore, que es una ciudad de alta tecnología. Es inspirador encontrar socios locales y encontrar el lugar adecuado para mostrarla.

¿Cuál es tu visión para futuros proyectos?

Tenemos los siete principios y estos fueron traducidos de un libro de un filósofo y biólogo alemán que describe la naturaleza. Intentamos preguntar “¿Qué es el diseño regenerativo?” La respuesta más simple que encontramos es aplicar estos principios de la naturaleza y el diseño. Esta es una respuesta muy corta que conlleva mucha complejidad.

Con los talleres de estudiantes, a cada grupo de estudiantes solo se le asigna uno de los principios. Por supuesto, el siguiente nivel es integrar más principios.

Estoy enseñando teoría del diseño en la Universidad de Artes Aplicadas y propuse un proyecto donde me encargo de los estudiantes que están dispuestos a desafiarse a sí mismos tomando más de un proyecto. Esto se convierte en un proyecto educativo. Es difícil, es desafiante, pero también creo que es inspirador.

¿Hubo alguna razón por la que decidiste usar crochet?

Cuando diseñamos la exposición, sabíamos que queríamos seguir nuestro propio título. El tejer las estructuras de coral nos intrigó porque va más allá del trabajo de diseño típico hecho en un ordenador. Solo hay dos formas en las que estos patrones de crochet crecen, creando formas hiperbólicas. Experimentamos con estas formas, tratando de entender qué tipo de nuevo ejercicio de adaptación sería. Nos pareció interesante cómo variaban según la disposición de la sala. Elegimos material biodegradable que proviene de un ciclo natural. Se volvió más avanzado cuando queríamos recrear esta situación de muerte de los corales, que ocurre cuando empieza el blanqueamiento. Comienzan a expulsar las algas y se vuelven blancos. En Chasing Coral hay una secuencia increíble donde el coral comienza a verse bajo la luz ultravioleta en estos tonos azul, blanco y violeta, y queríamos recrearlo. Encontramos diferentes calidades de este papel, que son diferentes tipos de blanco. Fue un proceso experimental, mucho juego y aprendizaje y, por supuesto, este tipo de producción de crochet llevó semanas.

¿Hubo otros grandes desafíos con los que luchaste?

Cuando tienes una exposición itinerante, lograr una expresión similar dependiendo del lugar es bastante difícil, así que optamos por la idea de tener solo salas negras, y esto funciona bastante bien. No es necesario pintar las paredes de negro. Aquí es donde las exposiciones también desperdician muchos materiales y recursos. La luz UV pone todo en el mismo tono y se usa muy poca energía, mucho menos que un foco normal.

La exposición fue acompañada de mucha información técnica. ¿Cómo equilibraste la información y las imágenes?

Equilibrar esto es un desafío. La clave está en la transición de prácticas degenerativas a regenerativas. Muchos ven la sostenibilidad como el objetivo, pero es solo un paso hacia lo que necesitamos lograr. Las personas a menudo piensan que “lo verde” es suficiente, pero la sostenibilidad, incluso con los objetivos de las Naciones Unidas, es solo una transición, no el objetivo final.

¿Cuál fue tu aspecto favorito de la exposición? ¿De qué te sientes más orgulloso?

Estoy bastante orgulloso de que parece atraer a las personas hacia diversas preguntas serias sobre el futuro de una manera entretenida e inspiradora. Tuvimos mucho miedo de que solo hubiera siete exhibiciones. Pero luego recibimos comentarios de la gente que decían que estaba bien que fueran solo siete, porque empezaron a pensar en lo que faltaba. Creo que eso funcionó bastante bien y veremos cómo lo hacemos en el futuro.

¿Tienes una expectativa positiva sobre los arrecifes y la capacidad de la humanidad para regenerarlos?

Creo que la disposición a salvar ecosistemas tan hermosos es alta. Creo que es una metáfora de lo que el diseño puede hacer. Crea este futuro hermoso en el que podemos creer y nos gusta.

¿Has tenido alguna respuesta que te haya impresionado?

Para mí, la experiencia más hermosa es este intercambio con actores locales. Hubo una historia en Sarajevo. La universidad de arte tiene un curso de diseño y lo llamaron diseño sostenible. Luego, después de la exposición, el profesor me dijo que tal vez deberíamos renombrarlo como diseño regenerativo.

¿Dónde ves los arrecifes de coral en 10 años?

Las preguntas clave son qué prácticas queremos eliminar y qué cambios buscamos. Si las personas salen de sus roles habituales, verán la necesidad de abandonar las prácticas dañinas. Estamos atrapados en conceptos de negocios obsoletos, no porque no sepamos mejor, sino porque nos falta confianza en las alternativas. Esta es una fase típica de transición. Espero que esta iniciativa anime a algunos a probar estas alternativas.

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